TAREA PINTURA IV
PROFESOR: FRANCISCO OLIVARES
ALUMNA: CECILIA ALBA
TEMA: VER Y PINTAR . EL PROBLEMA DE LA REPRESENTACIÓN ARTÍSTICA.
Autor: Estela Ocampo
Antes que nada conviene indicar qué es la representación artística. Existe un orden natural y otro artístico. El artista obedece a las leyes de la composición, las de un orden representativo y no el orden de la naturaleza, que no son necesariamente idénticos: La intención es realizar un cuadro (bien hecho y para eso lo corrige, lo sustituye, lo vuelve a hacer) y traducir los objetos, personas o paisajes a formas artísticas.
La visión del artista es un proceso activo y tiene dos maneras de enfrentarse con al mundo, con la representación naturalista o la representación conceptual.
Representación naturalista – Definición:
El naturalismo se puede emplear como sinónimo de realismo, el artista en su intento de copiar la realidad, pero es evidente que solo puede realizar una imitación de la realidad porque sea el artista que la persona que contempla traen consigo un bagaje cultural con visiones distintas de una misma cosa.
Representación Conceptual:
Tiene que quedar claro que la representación conceptual no fue un paso previo en el camino hacia el naturalismo sino que es un sistema de representación distinto.
Desde la aparición de las Venus hace 20 mil años, pasando por distintas épocas como el arte preclásico u oriental, no significa que ellos no tenían la capacidad de imitar mejor la naturaleza, sino que ellos dieron prioridad a la expresión de conceptos en forma mayor o menos abstracta.
En el arte contemporáneo conviven alegremente ambas maneras de representación. En una obra de arte el artista demuestra su creatividad, sus técnicas, sus habilidades y refleja su personalidad, su cultura, el periodo histórico y el lugar donde se encuentra o ha estado.
3 TEORÍAS DE LA REPRESENTACIÓN:
SEGÚN GOMBRICH: Teoría de la representación No Mimética.
“La representación no puede ser una copia, en primer lugar por la obvia consideración de que lo que vemos tiene profundidad mientras que la superficie que se pinta es plana, y el mundo que vemos tiene una infinidad de matices de color que en la composición harán de reducirse a unos pocos.”
Para una teoría de la representación puede obviarse la polémica que siempre ha enfrentado a filósofos y psicólogos de si interpretamos en base a estructuras innatas o aprendidas.
“El ojo inocente es un mito porque la visión siempre debe organizar según conocimientos, conjeturas, expectativas, miedos, previsiones, discriminando entre los mensajes recibidos, organizándolos hasta darles forma. Y esa actividad de formalización depende del conjunto de elementos innatos y naturales que el ser humano posee”.
Gombrich señala en su libro Arte e ilusión la patología de la representación, o sea imágenes en las cuales se han falseado los datos que existían primariamente en el objeto representado. “El artista no parte de su impresión visual sino de su idea o concepto”. “No existe un naturalismo neutral”.
El estilo puede definirse como un particular esquema visual que utiliza el artista para representar. Gombrich dice: “El estilo manda incluso cuando el artista desea reproducir fielmente la naturaleza”.
Las imágenes independientemente de que sean naturalistas o conceptuales, representan con igual eficacia un objeto dado en el marco de la cultura en la que han sido elaboradas, son igualmente equivalentes del objeto, aunque si se refiere al "parecido", Gombrich dice que lo naturalista es lo parecido. Un cuadro realista es aquel que proporciona la mayor cantidad de información fidedigna acerca del objeto.
Con respecto al contemplador Gombrich dice que también necesita utilizar sus esquemas visuales para atrapar en una forma una serie de estímulos visuales. En el momento que vemos interpretamos y esto depende de nuestros condicionantes culturales.
SEGÚN R. ARNHEIM: Descarta el parecido como elemento a tomar en cuenta en la teoría de la representación. "Todo arte es conceptual, sea el naturalista que el abstracto".
Si la imagen no puede ser una copia de la naturaleza, sino una interpretación, es más preciso entonces plantearla en términos de equivalente. “La producción de imágenes, artísticas o no, no parte de la proyección óptica del objeto representado sino que es un equivalente, dado con las propiedades de un medio concreto”, de lo que se observa en el objeto”. La equivalencia para Arnheim se produce mediante los “conceptos representacionales” que utiliza el artista, aquellos a los que Gombrich llama “esquemas visuales”. Los equivalentes pueden ser de distintos tipos: naturalistas o conceptuales; entonces ambos tipos de representación tienen el mismo status como equivalentes del objeto representado.
Dado que la obra no tiene unas características objetivas y universalmente establecidas, el contemplador es la otra cara de la moneda en el proceso artístico, el otro polo del artista, sin que esto suponga que exista una armonía necesaria entre artista y contemplador. Lo que sí está supuesto cuando incluimos al contemplador en el proceso de percepción y significación de la obra es que la obra es de una determinada manera para un determinado contemplador. Un espectador no puede entender una representación artística sin utilizar sus conocimientos previos: Ve lo que espera ver. El ojo completa, corrige, supone – es una capacidad de proyección y configuración visual.
"El problema de representar objetos tridimensionales dentro de un plano bidimensional admite diferentes soluciones. Cada cultura considera su método de representación absolutamente fiel y representativo del objeto, en concordancia de lo habitual para esa cultura.
SEGÚN GOODMAN:
Goodman dice que "hay tantos modos de ver el mundo como los hay de describirlo, verlo, pintarlo. El ojo selecciona, rechaza, organiza, , discrimina, asocia, clasifica, construye".
Para Goodman se presenta la "imposibilidad de la copia" por no poder especificar qué es lo que debe copiarse. La captación y la interpretación son interdependientes.
Una representación exige invención, es creativa, establece relaciones y distingue los objetos, los clasifica y caracteriza.
Para Goodman los cuadros realistas o no realistas pueden ser igualmente informativos.
"El realismo es relativo, viene determinado por el sistema de representación normal de una cultura o una persona dadas en un tiempo dado.
Según Goodman "La representación realista no depende, de la imitación, la ilusión o la información, sino de la inculcación". Que un cuadro se parezca a la naturaleza significa que se parece a la manera como habitualmente se representa la naturaleza. La representación es para Goodman, una relación simbólica, relativa y variable entre un objeto y su imagen.
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Al principio de la lectura encontramos relatos de la época de Plinio sobre los pintores Zeuxis y Parrasio o del Renacimiento y el pintor Tiziano y de cómo sus obras fueron tan increíblemente miméticas que engañaban a las personas de su época. Era la gente de esas culturas y época ingenuas a ese punto?
Cabe destacar que las 3 teorías de la representación estudiadas nos indican que en mayor o menor medida influye el momento histórico, el contexto cultural, el conocimiento, la inteligencia, la sensibilidad del artista que crea una obra, y los mismos factores influyen también en la el contemplador. También se aprehende que cada época está convencida de que su esquema visual es el apropiado. Qué opinarán de nuestra época dentro de 100 años?
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ANÁLISIS SEMIÓTICO DE LA IMAGEN:
La imagen representada es de la actriz Eva Longoria Parker, archiconocida en su papel de Gabrielle Solis en la serie de TV "Desperate Housewives".
DESCRIPCIÓN:
Se ve a una mujer de una edad entre los 25 y 30 años (edad casamentera en el mundo occidental).
COLOR: Una variedad de elementos de color blanco y color perla : el vestido corto de la mujer, el vestido de novia con velo que está apoyado en el espejo, la cortina en la ventana, el cubrecama, las flores en el jarrón y las flores del bouquet, la cama, los zapatos en el suelo y el zócalo y el piso de la pieza.
Elementos de colores cálidos: el maquillaje de la mujer, el cobertor debajo del cubrecama, el color del empapelado de las paredes, la madera del marco del espejo, el cojín, el tono de la piel de la modelo.
PLANO: General corto La modelo ocupa el lugar central de la imagen pero permite ver los objetos que rodean su entorno más cercano.
Según la ley de los tercios, dos de estos puntos caen en la zona iluminada de la cortina, que brinda esa sensación de profundidad a la fotografía, creando un contraste con la figura central de la modelo, que es de color cálido medianamente oscuro.
LENGUAJE KINÉSICO:
Pose de modelo profesional, mirada de insatisfacción y perplejidad, toma el bouquet de flores sin convencimiento, el pecho hacia adelante y la mirada frontal muestran orgullo, soberbia (alguien acostumbrada a obtener lo que desea porque piensa que le corresponde), los labios entreabiertos indican voluptuosidad (característica que acostumbran timbrar cuando se supone que un personaje es de origen hispanoamericano).
IMPORTANCIA DE LA RELACIÓN ENTRE LOS ELEMENTOS:
La mirada de entrada se enfoca en la modelo, que viste un vestido que aunque corto es blanco y el blanco se usa para demostrar la pureza de la mujer para el matrimonio (en el Occidente). El modelo del vestido es minimalista y eso significa "clase": menos es más dicen por ahí; es escotado y bastante corto y ceñido al cuerpo para subrayar las formas perturbadoras del personaje "voluptuoso, sexy, sensual = hispanoamericano". Luce pulsera, aros y anillo de oro y sandalias con detalles dorados para expresar el lujo al que el personaje acostumbra. Las sandalias de tacón por supuesto, por "respeto" a la moda
Luego vemos que tiene en sus manos, al encontrar el bouquet pensamos inmediatamente en matrimonio, pero atención: el bouquet está hecho con material artificial y es un detalle que indica la poca veracidad en la intención de casarse: la identifica como alguien de plástico.
Ante la presencia del bouquet buscamos el vestido de novia, el cual encontramos colgado en el espejo, acompañado del velo, símbolo del matrimonio religioso; esto indica convencionalismos y apariencias, ya que definitivamente dudo del fervor religioso del personaje. Como el vestido está apoyado en el espejo, no se tiene la certeza de si se lo va a poner recién para la boda o se lo acaba de sacar después de ella. El modelo del vestido es sin mangas por lo que implica estar en primavera o verano.
El espejo es de cuerpo entero siempre haciendo hincapié en poner la atención a las curvas de la modelo y es de madera en color natural y de diseño opulento.
En nuestro recorrido visual encontramos la cortina que es de género velado, dándole una continuación a la sensación de velo de novia que no tiene puesto pero que le corresponde por ser una novia.
Las flores del florero que está encima de la mesita también son "artificiales" y dentro del florero en lugar de agua se adornó con trozos de plástico transparente.
La mesita al lado de la cama es redonda y con una base de formas onduladas para mantenerse en el tema de las "curvas".
El diseño de la cama posee también un sin número de "curvas".
Los zapatos que están en el piso al lado de la cama no se sabe si ya los usó o aún están esperando para la ceremonia, pero están dispuestos al azar, sin mucho cuidado (tanto después ordena la doméstica).
ESCENIFICACIÓN, AMBIENTACIÓN, LUCES Y SOMBRAS
El escenario nos muestra la esquina de la habitación dándonos un límite y aportando para la sensación de intimidad, que se mejora aún más con la cortina cerrada y la cama esperando para el acto sexual.
El piso alfombrado y la calidad de los géneros utilizados en todo son índice de lujo y alto nivel socio-económico.
A pesar de que ella está a contraluz con la ventana, tiene una iluminación artificial que ilumina su rostro y el torso y debido al tono rojizo de las paredes, todas las sombras se contagian de esta tonalidad y hay reflejos cálidos por todas partes.
Debo confesar que en la pared donde está la cabecera de la cama se ven 2 sombras que no se definen bien, podrían ser los perfiles de dos personas del equipo o el perfil de accesorios para la iluminación?
TEMPORALIDAD:
Se puede decir que es una imagen contemporánea ya que nos permite apreciar la moda que conocemos (aunque Anna Wintour - directora de Vogue no estaría de acuerdo ya que la moda cambiaría cada 6 meses) y la decoración de la habitación bien se asemeja a la habitación de un hotel con encanto actual. La fotografía es de aproximadamente del 2009.
NIVEL FIGURATIVO: Recién casada, joven, bella, adinerada.
NIVEL CONCEPTUAL: Una mujer con incertezas ante lo que espera de una nueva vida en pareja, orgullosa y acostumbrada a lo mejor.
APRECIACIONES:
La teoría de la representación que mejor se ajusta a esta imagen fotográfica es la de Goodman.
La fotografía analizada se refiere a cómo se describe el personaje de Gabrielle Solis en la serie "Desperate Housewives" y de qué se va a tratar su vida en los capítulos a continuación. El personaje es inventado, los elementos que se ven en la fotografía establecen francas relaciones entre sí, como he detallado en el análisis semiótico, dichos elementos están clasificados y caracterizados. Cada uno de los elementos, incluyendo el lenguaje kinésico son un despliegue de simbología, pero son relativos (a nuestro contexto cultural y contemporáneo).
La utilización de la flores artificiales por ejemplo, son igualmente informativas que si fueran reales ya que son blancas, de una cierta forma y dispuestas como bouquet, igualmente todo apunta a la boda.
Pero qué pasa si la misma fotografía fuese creada por un artista de La India para contempladores hindúes? Los vestidos tendrían que ser rojos y la novia tendría que estar extremamente maquillada.
Pero no hay que quitarle a Gombrich la razón que tiene cuando dice que el contemplador también está sujeto a los propios esquemas visuales condicionados por su entorno cultural.
Tampoco a Arnheim, que nos dice que un espectador no puede comprender una representación artística sin usar sus conocimientos previos. Definitivamente todo lo que hemos aprendido, vivido y que es una parte inherente de nosotros mismos nos lleva a interpretar una representación de una cierta manera o lo mismo, a crear una representación de una cierta forma.
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ANÁLISIS DE LA TEORÍA DE REPRESENTACIÓN DEL VIDEO "O CORPO" :
DESCRIPCIÓN:
En esta performance brasileña con la coreografía de Rodrigo Pederneiras y la música de Arnaldo Antunes, se aprecia el trabajo de un grupo de bailarines (cuerpo de baile) que se exhibe minimizando al máximo su individualidad, dando prioridad al conjunto.
Se lleva a cabo en un escenario de paredes rojas y piso rojo y es así que los bailarines todos vestidos de negro se mueven como esculturitas en una gran caja roja. La mayor parte del tiempo el telón de fondo es negro y en él se manifiestan unos puntos rojos que aparecen y desaparecen al parecer sin un orden preciso (pero seguramente el orden ha sido más que pensado); es como fuese un enorme analizador de espectro, que mide la frecuencia del movimiento o la intensidad de los sonidos.
O Corpo es una obra de arte contemporáneo, donde la danza está compuesta por figuras de danza tribal, clásica, moderna, patinaje artístico e incluso la imitación de movimientos de arácnidos, simios y robots. Un despliegue de destreza y excelente técnica.
La danza está acompañada de música electrónica que por momentos recita en voz alta y con una voz un poco ronca algunas frases y un poema obviamente en portugués ( la única frase que yo entendí: El cuerpo es suficientemente opaco para que se pueda ver …)
EL CUERPO El cuerpo existe y puede ser tomado Es suficientemente opaco para que se pueda ver Si se permanece años mirando se puede ver crecer el cabello El cuerpo existe porque ha sido hecho Por eso tiene un agujero en medio El cuerpo existe dado que exhala olor En cada extremidad existe un dedo El cuerpo si se corta arroja un líquido rojo El cuerpo tiene alguien como relleno,
También hay palabras sueltas y murmullos o solo el sonido de respiración.
El vestuario es casi idéntico para todos los bailarines en negro.
La iluminación es un elemento importante porque a momentos nos obliga a observar los cuerpos en movimiento, en otros momentos solo los rostros con los cuerpos escondidos en las sombras y en otros momentos los cuerpos balanceándose en sincronía haciéndonos olvidar que son cuerpos para ver solo formas en movimiento y para enriquecer el movimiento, también se movía un pedazo de fondo escénico en forma de cuadrado de color blanco, inclusive a distintas velocidades.
Curiosa por saber lo que quisieron decir con cuerpo opaco, me encontré con la ley de Kirchhoff que afirma que la absorción de radiación de un cuerpo cualquiera en equilibrio térmico, coincide con su emisividad, es decir que un cuerpo opaco que sea un buen absorbente es también un buen emisor. Cuerpo opaco significa no ser transparente a la proyección térmica. Hay ecuaciones, fórmulas, gráficos de longitud de onda y podría ser que este gran analizador de espectro con puntos rojos iluminados que vemos en el telón de fondo se refiera a estos resultados.
Apreciaciones:
La teoría de la representación que mejor se ajusta a esta obra de danza contemporánea es la de R. Arnheim, quien dice que todo arte es conceptual.
Para él la imagen no puede ser una copia de la naturaleza sino una interpretación, entonces esta obra es una interpretación de los varios artistas: director, coreógrafo, músico, diseñador de vestuario, escenógrafo y profesional de la iluminación. Las imágenes que nos hacen ver son un equivalente de los objetos que quieren representar.
De todas formas toma una considerable importancia el contemplador porque la obra es de una determinada manera porque está dirigida a un cierto espectador.
Igualmente le doy la razón a Gombrich cuando dice que "se falsean los datos en las imágenes creadas con respecto a la realidad del objeto que se quiere representar, el artista no parte de su impresión visual sino de sus ideas y conceptos".
También hay que señalar la cualidad efímera de la danza y de la performance, el uso del cuerpo por un lapso de tiempo limitado, luego se desvanece en el recuerdo de quien lo presenció, porque aunque lo hayan fotografiado o grabado en video ya no es lo que fue en ese momento porque entran en juego los esquemas visuales de las personas que fotografiaron o grabaron y sus conceptos tergiversan lo que hubiéramos apreciado si hubiésemos presenciado el desarrollo de la obra personalmente (con nuestros propios conceptos, esquemas visuales, contexto cultural, conocimiento, etc.)
La música de la obra fue dividida en 8 momentos. Quisiera destacar que en el Momento 7 hay una música y cánticos que para mi evocan mis recuerdos de la música peruana negra cantada y sonada por los esclavos de mi tierra en tiempos de Virreynato; ciertamente de alguna manera está conectada con alguna sonoridad de los negros esclavos africanos que primero llegaban a Brasil y luego eran trasladados al Perú. Pero eso lo sé yo, porque es mi historia. En este caso no fui contempladora sino también oidora.
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