LOS NO LUGARES DE MARC AUGE Lo que escribió él y lo que pienso yo.

Arte Moderno y Posmoderno

Breve reseña histórica: El estilo realista (una manera de representar la realidad) surgió según Darin Mc Naab,  en el Renacimiento, con la perspectiva y el escorzo; y esto siguió a través de los siglos llegando a alcanzar una asombrosa similitud con la realidad, pero esto terminó con la aparición de la máquina fotográfica. Es allí que los artistas tuvieron que encontrar nuevos caminos pues la foto era mucho más fiel a la realidad que cualquier pintura. Así por ejemplo Cezanne dio el input al nacimiento del impresionismo.

Cezanne utilizó el cono, la esfera y el cilindro, como las formas básicas que mezcladas componen la variabilidad de la percepción. Así los impresionistas usaron sus mismas herramientas y luego los posimpresionistas (cubistas: por ejemplo Picasso) también, pero exagerándolas. 

Los posimpresionistas hicieron uso de

-                  - simplificación de figuras y planos geométricos

-                   - puntos de vista múltiples y simultáneos

-                   - síntesis de espacio y figura.

      Llegada del Arte Moderno: 

       1) Con la llegada de la producción masiva se impuso la impresión y el valor de una obra de arte original ya no fue estético sino económico.

           2) La importancia de la abstracción (aún en las obras realistas existe la abstracción porque es imposible copiar la realidad en su más extremo detalle)

            3) Llega un momento en que cualquier similitud a un objeto reconocible se desvanece.

Aparecen artistas como Jackson Pollack (expresionismo abstracto) o Mark Rothko (minimalismo). Pero aquí termina el camino de la abstracción, ya no hay nada más que quitar, a menos que quitemos el lienzo?? FIN DEL MODERNISMO.

Hubieron corrientes paralelas:

El Dadaísmo: Antes de la Primera Guerra Mundial el dadaísmo se ocupó de rechazar los valores vigentes en ese momento.

El Surrealismo: Le dio importancia a la parte onírica, a la riqueza del inconsciente: Magritte y Dalí.

Pero aunque el modernismo se terminó, el arte sigue en auge, pero distinto. Andy Warhol en los años ’60 creó el arte pop a partir del cual consideramos ARTE POSMODERNO.

El mundo había cambiado y el arte se convirtió en mercancía, se crearon instituciones burguesas. Es cierto que los dadaístas y los surrealistas intentaron crear un arte de transformación social pero eso se terminó pronto con la Segunda Guerra Mundial, el Capitalismo, el Nazismo y el Fachismo (todos ellos silenciaron a los artistas).  El arte fue utilizado para hacer propaganda política en la Unión Soviética, mientras que fue usado en la mercadotecnia y diseño en EE.UU.

El artista posmoderno recoge lo que le parece, elementos de obras pasadas y crea algo nuevo como un pastiche; en cambio el artista moderno creaba algo único que tenía que ver con la cultura popular.

Ya no es necesaria la genialidad para ser artista. En el cambio ha influido el contexto que circunda al arte. Entonces han aparecido  posteriores al arte moderno, lo que se considera posmoderno:

-          Arte Pop

Andy Warhol combina la expresión artística, la cultura de la celebridad y el manejo de las imágenes en la mercadotecnia. Estas fueron las bases del mundo actual, se ha formado un ejército multitudinario, donde todos nos expresamos a través de las diferentes redes sociales y a través de imágenes, fotos o videos, pretendiendo desesperadamente un LIKE para tener esos 5 minutos de fama. Haciendo esto estamos vendiéndonos, vendiendo nuestros datos, nuestros gustos y nuestras convicciones; un proceso de deshumanización para pasar a ser un dato estadístico mercadotécnico.

-          Arte conceptual

En este arte tienen importancia los conceptos o ideas a partir de los elementos de la obra con un sentido estético.

-          Performance

En esta forma de arte es necesaria la interrelación del público espectador con el artista. Se ponen en juego la moral, la intimidad y otros juicios.

-          Instalaciones

Las obras ya no están colgadas ni expuestas tradicionalmente sino que está colocada al alcance de la mano, a veces envuelve al espectador y esto lo fuerza a involucrar todos sus sentidos en la experiencia artística.

Danto dice: Warhol ha encontrado una forma de arte dándole un significado al objeto expuesto, aunque éste sea igual a un objeto común y corriente del mercado, no interesa su apariencia estética.

Hoy por hoy no importa qué aspecto presente una obra de arte, no existen reglas, lo importante es el proceso de investigación de los elementos y si tiene un significado en el contexto y qué actitudes provoca de parte del espectador. Se vive un momento de pluralismo y tolerancia, nada se puede excluir.

Danto dice que el arte, así como se concebía, llegó a su fin a mediados de los años 60.

Es que llegó el momento en que el arte se quitó el peso de respetar la historia y entonces hace uso y desuso del arte del pasado. El arte ha alcanzado tal nivel de conciencia que ya no siente la necesidad de autodefinirse filosóficamente, ese es trabajo de los filósofos. Pero una definición de arte contemporáneo debe calzar con todos los artistas y con todos los tipos de arte que existen y eso significa que la historia no sabe hacia dónde dirigirse (opinión de Danto). Danto le da razón a Hegel cuando dice que algo es arte cuando nos hace experimentar una sensación y un juicio sobre la misma. Dice que el arte implica un contenido y un significado.

En mi opinión se vive una situación como se vivió la etapa del romanticismo, donde los artistas se peleaban por ser distintos entre sí y sobretodo distintos a la Academia, y con el pasar del tiempo, cuando la historia volvió la cabeza y vio a todos estos artistas diferentes, les puso de nombre “románticos”, para un grupo cuya única similitud era SER DIFERENTES.

Se vuelve interesante y ejemplarizante la obra de los artistas italianos Bertozzi & Casoni que presentaron en Mayo 2017 en la Basílica Palladiana de Vicenza, que es una obra realizada completamente en cerámica pero que tiene la semblanza de las cajas de Brillo de Warhol, apiladas y en mal estado y además acompañadas de un loro que hace sus deposiciones sobre ellas. Evidentemente es una parodia, una ironía al significado del arte y a los artistas; considerando a los artistas que trabajan el arte contemporáneo como un montón de incapaces de ser originales o geniales. Ha sido el uso de un ícono del arte contemporáneo dentro del marco de tiempo del mismo arte contemporáneo, perfectamente válida ya que el arte de nuestros tiempos no tiene barreras de ninguna índole.